Guillem Serrano, percusionista: “En el colegio se debería enseñar adecuadamente la música y estimular a que los niños se animen a tocar un instrumento”
Publicado: domingo, 21 octubre, 2018
Bert “el hombre orquesta” de Mary Poppins era un señor servicial, te podía montar una pantomima con todos los instrumentos que portaba ceñidos a su cuerpo por la mañana, pintarte el Museo de Louvre en la acera mientras canturreaba “Chim Chim Cheree” a la hora de la merienda y, por la noche, trabajar como deshollinador. Sinceramente, la labor de este individuo hacia la comunidad nunca ha sido reconocida.
Siguiendo sus pasos “timbaleantes”, se encuentra Guillem Serrano, ganador del Primer Premio del Concurso de las “Juventudes Musicales de España” en el año 2017. (“Inciso, discúlpenme por el chiste anterior pero era irresistible para personas con carencias humorísticas como yo, ahora que se hayan riéndose descubrirán que sufrimos de la misma patología, les compadezco, pero prosigan leyendo la entrevista).
–En este momento estás cursando el Máster en Music Performance en la “Akademie of Music” en Basilea (Suiza), con el profesor e intérprete Christian Dierstein. ¿Qué ha supuesto para ti el hecho de tener que emigrar para seguir con tu formación musical?
-Ha supuesto un gran sacrificio económico estar aquí. Sin duda, no podría haber logrado este proyecto sin la ayuda de mis padres, a los cuáles estoy eternamente agradecido por su apoyo incondicional desde el primer momento. Justo ahora me encuentro en el inicio de esta etapa y me siento muy feliz de poder continuar motivándome, buscando mi personalidad y perfeccionando mi repertorio, además de empaparme de cosas nuevas tanto del entorno como de la gente que me rodea y de adaptarme a vivir fuera de mi zona de confort. Por último, y muy importante también para mí, el poder empezar a pensar en futuros proyectos envuelto en un ambiente totalmente óptimo para ello.
-En tu trayectoria académica de percusionista tienes el mérito profesional de haber finalizado tu Grado Profesional en el Conservatorio Municipal Profesional de Altea y tu Grado Superior en el Conservatorio Superior de Música Óscar Esplà con las máximas calificaciones. ¿Cuánta dedicación ha supuesto conseguir ambos reconocimientos?
-A partir de los 19 ó 20 años fue cuando me puse a estudiar de verdad, totalmente enfocado y concentrado, seguramente fruto de la madurez que acompaña a la experiencia.
Todos los trabajos y conciertos que he hecho, los he preparado lo mejor que he podido siempre, intentado dejar mi huella y la mejor versión de mí mismo en ello. Por ejemplo, mi recital y mi trabajo final de carrera los preparé muchísimo, además, justo antes del recital tuve el Concurso de Juventudes Musicales, que era el primer concurso serio al que me presentaba y estudié una barbaridad, ni te puedes hacer una idea de las horas, para poder realizar de manera notable tanto el concurso como mis exámenes.
No obstante, el esfuerzo y la dedicación han de estar ahí cada día, no creo que el hecho de estudiar mucho sea algo para alabar, todos tenemos que hacerlo. Cada vez que me levanto por la mañana, afortunadamente, sigo teniendo muchísimas dudas aún, pero son otro tipo de dudas: qué es lo que me gusta/me gustaría de verdad hacer en un futuro, si lo que hago/haré en un futuro puede beneficiar o tener cierto impacto en la sociedad y el panorama artístico… Ya sabes, ese tipo de dudas que sí deberíamos tener toda la vida.
-¿Cuáles serían tus tres colaboraciones musicales más destacables?
-Con Synergein Project en el monográfico de Georges Aperghis que hicimos en el Auditorio Nacional de Madrid. También este mismo año, dentro del festival “ENSEMS”, interpretando “Le noir de l’Etoile” de Gérard Grisey. Y para terminar, con The World Orchestra y La Fura dels Baus, en la producción “Carmina Burana” en Madrid, Alicante, Barcelona y Liébana.
-Actualmente te encuentras sumergido en la preparación de una gira para la temporada 2019-2020 patrocinada por “Red de Músicas”, en la cual participarás como solista. ¿Cuáles son tus expectativas?
-Me gustaría poder condensar en el formato del concierto la mayor cantidad de información posible. Con información, me refiero a posibilidades, instrumental, diferentes estilos compositivos… conectando todas las piezas entre sí, para formar una idea conjunta. La música actual es difícil de seguir desde el asiento, pero si ofreces una línea que guíe, a través tanto de tu interpretación como de la conexión entre todas las obras, de manera casi imperceptible pero palpable en cierta manera, el inconsciente puede realmente conectar con lo que está sucediendo en ese preciso instante.
Pero mi máxima prioridad es ofrecer un amplio espectro de lo que podemos entender como percusión solista, quizás una obra con electrónica, otra para láminas, otra para set-up, alguna obra conceptual… La gira estaba prevista para principios de 2019, pero la pasamos a la siguiente temporada (no puedo decir fechas, tenemos que concretar aún), lo cual es fantástico para mí, porque tendré más repertorio preparado y eso me abre más posibilidades.
-¿Qué otros proyectos tienes en mente?
-Me gustaría poder formar un ensemble totalmente abierto, sin instrumentación fija, y trabajar conjuntamente con compositores. Ser profesor, simultáneamente con el ensemble. Y evidentemente, por otra parte, preparar proyectos a solo, con música totalmente de vanguardia, electrónica, quizás algo teatral y otras piezas más “clásicas”… También estoy empezando a descubrir las posibilidades de la batería.
-¿Cuál es la relación entre compositor e intérprete?
-Es vital para la evolución, es el punto de inflexión en la música actual donde realmente puede crearse un cambio o mejora positiva. Porque el compositor no tiene ninguna limitación técnica del instrumento (esto se puede hacer, esto no… ) y el músico puede arrojar luz justo en estas cuestiones técnicas. Esto lo digo en general, en cuanto a la percusión es aún más radical. Nosotros tenemos tan sólo 100 años de historia como instrumento “solista”, y ni eso.
Pasamos de ser un simple acompañamiento de la música popular o tradicional, a obras expresamente hechas para percusión de incluso 30 minutos o más de duración, en apenas unos años. Es una locura. Es como si nos hubiesen tenido encerrados toda la vida en una pequeña habitación, y de repente, nos dejan salir al aire libre sin ninguna restricción ni control.
Esto fue muy positivo para el desarrollo de la percusión, pero a la vez nos ha dejado muchas incógnitas por aclarar y resolver, que hacen la unión de trabajo entre compositor e intérprete totalmente necesaria para realizar algo interesante. Sin mencionar todo lo que puede beneficiarse en cuanto a aprendizaje uno del otro.
–“Whiplash” fue una producción cinematográfica tan premiada como alabada por la crítica, que trataba sobre la presión a la que es sometido un baterista de jazz por su director de orquesta. ¿Crees que el éxito de esta película sirvió de algún modo para que los percusionistas tuvieran un mayor reconocimiento?
– No lo creo. Soy un gran seguidor de la gran pantalla, me apasiona el cine, pero nunca dejará de ser lo que es, ficción.
Si la percusión ha tenido un mayor reconocimiento en los últimos años, que tampoco creo yo que lo haya tenido (creo que sigue igual de estática que hace tiempo en este aspecto), ha sido gracias a las personas que se han preocupado por acercarla al público, por ser fieles a la música y no a entidades o terceros, gente que han dejado de lado cosas que podrían ser más rentables o tener mayor aceptación por realmente hacernos llegar a todos la música de vanguardia.
Cuidado, no hay que confundir reconocimiento con fama, con esto me refiero a que acuda más gente a los conciertos, a que se concedan ayudas para comprar los instrumentos de percusión necesarios para aulas o salas de concierto -en España, la situación instrumental actual en los conservatorios es funesta-, y también ayudas, becas, etc… para intérpretes, compositores o artistas en general, que necesiten ese empujón para lanzar sus carreras. Reconocimiento por y para la música siempre.
-¿Se ha hecho patente la reducción de horas destinadas a la asignatura de música que previa la LOMCE?
-La música debería ser obligatoria en las escuelas: está demostrado científicamente que la música mejora la sensibilización, la coordinación, es una herramienta de cohesión social, fomenta la plasticidad neuronal, la memoria, las funciones motoras, el lenguaje, sin hablar de que ayuda a crear motivación y compromiso con tu vida y tu trabajo, y mil razones más…
Luego en el instituto ya no me parece tan decisivo, porque ya estás yendo al conservatorio en caso de querer hacer música, pero esa es la cuestión precisamente, en el colegio se debería enseñar adecuadamente los aspectos de la música que sean óptimos para que un niño se anime a tocar un instrumento. Por supuesto que hay excepciones -padres conscientes de lo beneficioso que podría ser iniciarse en la música y que apuntan a los hijos de bien pequeños, sin esperar a que ellos digan que sí o no-, pero sin duda debería ser obligatoria y además estar bastante presente durante el curso.
Y, obviamente, no todo el mundo va a dedicar su vida a la música, pero el hecho de tocar un instrumento, como hobby quizás, ya es algo muy bueno para cualquier persona. Pero entiendo que si se quiere eliminar la música de las escuelas, es debido a que quien tiene el poder para decidir esto no conoce (o no quiere conocer) los beneficios de la música durante la enseñanza, lo cual ya nos indica muy claramente en qué situación nos encontramos.
–Siguiendo con la temática educativa, personalmente consideras que tu profesor más decisivo en tu carrera fue Sisco Aparici. ¿Qué lo más importante que aprendiste en sus clases?
-Lo que más podría realzar de todas sus clases es que me ha enseñado a ser crítico con absolutamente todo lo que hago, a entender que la motivación ha de nacer de ti siempre, no de cosas externas a uno mismo, y que no podemos estar esperando a nadie ni a nada, tenemos que tener siempre claras nuestras ideas y nunca caer en la desidia, tener constantes proyectos en la cabeza: “la meta es nunca dejar de tener metas”.
Cada vez que paso un tiempo con él aprendo cosas nuevas. Además, con Synergein Project he podido trabajar de manera intensiva con muchos compositores e intérpretes muy interesantes, y realizar mucha música de cámara. También me gustaría mencionar a Juanjo Llopico (actual pareja de dúo de Sisco) y Vicent Gómez (fundador de Synergein Project y actual director técnico), he podido aprender mucho de ellos, y espero que siga siendo así en un futuro.
-Para concluir, ¿a quién recomendarías escuchar?
-Ahora mismo contamos en España con una generación de compositores muy interesante y que recomiendo sin duda seguir su actividad: José Luis Torá, Alberto Posadas, Héctor Parra… Últimamente estoy escuchando bastante jazz, rock progresivo, grupos como The Bad Plus, King Crimson, Zappa, Mahavishnu Orchestra, Robert Glasper, Avishai Cohen Quartet, Alfa Mist…
Pero en definitiva, recomendaría salir de casa y escuchar conciertos en directo, porque se está perdiendo un poco esta costumbre y la belleza de escuchar algo en vivo no se puede comparar a nada, sea del estilo que sea.
